News by Ragnarök: sobre brujas, máscaras y escobas.

El feriado me permite dedicarme desde temprano al avance de Ragnarök.   Como corresponde, me disperso en varios frentes:  un dibujo puntillosos en tinta verde y dorada del Mapamundi de Petrus Kaerius, de 1607, como base y contorno para desarrollar en su interior a las más malevolentes representantes de mi Lista de los Demonios; otros pequeños diseños de espaldas horadadas para mi proyecto de Las Brujas; y, finalmente,  el inicio de mi intervención enmascarada a la escoba.

Por primera vez en mi vida entré a un negocio de insumos de limpieza para comprar una escoba.  Yo soy de la generación de los escobillones de plástico para la intemperie y los de suave cerda para los interiores de pisos flotantes y maderas laqueadas.   “…De esas grandes, de paja, como las de antes…” le pedí a un señor que me miró un poco extrañado no por mi vocabulario sino por mi aspecto, ya que ayer, cerca de las siete de la tarde, vestidita con mi ropa formal de trabajo y cargando mi carpeta al brazo por haber salido recién de la oficina fuí a comprarla.  Estudié con mucho cuidado las pajitas (que fueran muchas, que estuvieran equilibradas respecto al centro, que propendiera todo el artilugio a la simetría) y me negué a mirar otros “modelos” más económicos y más desarrapados.

Ya concentrada a primera hora de hoy a trabajar con ella, descubro que hay cierto encanto sugerente en la forma en que está construida mi escoba.  Independientemente de que su destino natural no sea glamoroso, la forma de aprisionar las pajitas para darles forma y  sujetarlas al palo tiene una gracia que reconozco muy elegante.  Posicioné una máscara, trence con cartas del Oráculo de Paracelso mechones de paja de su cabeza y coloqué una especie de cuello que sujeté al dorso con cartapesta.  Ahora debo esperar para comprobar en la práctica si la cola rebajada y el papel de servilleta adhieren a la paja y sostiene todo en su lugar.  Si lo hace, la estructura inicial habrá quedado lista para un segundo paso.  Si se despega, habrá que pensar en otra cosa.

El rato que pasé jugando con la escoba ha sido no solo divertido sino muy estimulante.  En esa placentera labor estaba cuando se me cruzó la idea de escribir en el mango, en el palo de madera, el nombre de algunas brujas reales ajusticiadas por la Inquisición, ya que en definitiva y más allá del evento que generó la idea de intervenir la escoba, ella será parte de Ragnarök. 

Así que el feriado también me ha proporcionado tiempo para una sesión en mi biblioteca rebuscando material histórico.  Como siempre, mientras iba tras  una nómina de brujas condenadas al fuego por el Santo Oficio me distraje en otra cosa.  Encontré con un pasaje muy interesante sobre la Witchs Hunt que permite deducir que la persecución ha sido históricamente más una manifestación de  misoginia cultural  que de atávico miedo al demonio: brujos hombres (que eran los buenos) persiguiendo a las brujas mujeres (muy malas).  Como mi fuente es un libro escrito en inglés lo transcribo en ese idioma y  agrego mi dudosa y accidentada  traducción al final.

“In the Italian lands, Carlo Ginzburg has discovered that in 1575 the Inquisition uncovered at Udine, northeast of Venice, one of the more remarkable examples of folk religion in its annals, a sect of Friulian men and women called benandanti, the “do-gooders”.  Born with a caul, which they still wore around their necks, they went out a night (although still sleeping in their beds) to do battle with witches.  These specially chosen persons fought in military order, brandishing sticks of sorghum and fennel stalks against sorcerers who would destroy the crops.  Four time a year, at each seasonal equinox, they fought to protect the livelihood of their community, and on the way home, they broke into houses and drank wine in the cellars.

  This cosmic struggle, reminiscent of fertility rites across the world, is a version of the salvation journey motif.  And that is exactly how the benandanti saw themselves when they first explained their activities to the inquisitors; they were proud to be protectors of their neighbors.  The Inquisition, understandably, suspected them of devil worship, that is, of being witches, and began imprisoning them.  Perhaps because the court did not use torture, it took a very long time to break down the group´s self-image, several generations in fact, but by 1650 benandanti were confessing that they were witches, and the ritual came to an end.

  Benandanti (mostly men) opposed witches (mostly female) not only in night battles but on the streets of villages in broad daylight.  These “do-gooders” played the role of shaman for their communities, sometimes working as healers but mainly policing the boundaries between the ordinary world and the supernatural.” Anne Llewellyn Barstow, Witchcraze,  HarperCollins Publishers, San Francisco 1995  Pág. 90/91

 

  

" En las tierras de Italia, Carlo Ginzburg refiere que en 1575 la Inquisición descubrió en Udine, al noreste de Venecia, uno de los ejemplos más notables de religión popular registrada en sus anales, una secta de hombres y mujeres friulanos llamados benandanti, los "benefactores". Nacidos con una marca, que llevaban alrededor de sus cuellos, salían de noche (aunque permanecían durmiendo en sus camas) para combatir a las brujas. Estas personas especialmente elegidas lucharon en orden militar, blandiendo palos de sorgo y tallos de hinojo contra las brujas que destruían los cultivos. Cuatro veces al año, en cada equinoccio estacional, lucharon para proteger el medio de vida de su comunidad, y en el camino de regreso a casa, irrumpían en las casas y bebían el vino de las bodegas.

  Esta lucha cósmica, que recuerda a los ritos de fertilidad en todo el mundo, es una versión del viaje de salvación. Y eso es exactamente cómo los benandanti se veían a sí mismos cuando explicaron sus actividades a los inquisidores; estaban orgullosos de ser protectores de sus vecinos. La Inquisición, como es comprensible, sospechaba que adoraban al diablo, es decir, que eran brujos, y comenzó a encarcelarlos. Tal vez porque el tribunal no hizo uso de la tortura, se tomó un tiempo muy largo para romper la propia imagen del grupo, varias generaciones de hecho, y es recién en 1650 que los benandanti confesaron ser hechiceros, y el ritual llegó a su fin.

  Benandanti (en su mayoría hombres) se oponían a las brujas (en su mayoría mujeres) no sólo en las batallas de la noche, sino en las calles de pueblos en plena luz del día. Estos "benefactores" jugaron el papel de chamán para sus comunidades, a veces trabajando como sanadores, pero sobre todo en la vigilancia de las fronteras entre el mundo ordinario y lo sobrenatural.”

 

Ayer recibí el mail que me anuncia que mi obra El Portal de las Listas de Ángeles y Demonios (conocido por cierto irreverente sujeto como “El coso de las máscaras”) fue rechazado en la convocatoria Site Specific - Una Obra Un Artista.  No me tomó de sorpresa el rechazo –en mi post del 21 de mayo auguré la poca chance de aceptación en un evento de estas características- pero no deja de causarme cierta curiosidad el haber sido superada por “Cuatro Gatos”.

 

Textualmente me dicen:

Tras la presentación de más de cien proyectos y en las múltiples coincidencias de los preseleccionados entre el jurado Máximo Jacoby, Roberto Rey y Milagro Torreblanca, Una obra un artista decidió ampliar a once proyectos la selección  final, extendiendo su exhibición como parte de la programación del 2015 además del año en curso.

1O1A quiere agradecer a todos los participantes y comunicarles que los proyectos presentados serán tenidos en cuenta en el futuro.

Los seleccionados fueron:

Carla Monguilner

Malena Cernadas

Francisco Estarellas

Guigui Kohon

María Laura Vázquez

Mariano Balbuena

Lisa Giménez

Violeta Risueño

José Franko

Paula Otegui

Cuatro Gatos

 

Hace años, cada rechazo a mi trabajo me llevaba al enojo, a masticar la frustración por un rato, y a mutilar toda la cuestión con indiferencia y volviendo al trabajo como si tal cosa.  Hoy, tecnología mediante y sabiduría sensata de la edad adquirida, analizo el fracaso estudiando y aprendiendo de la competencia que me ha superado.
 

Busqué a los Cuatro Gatos en la web y no los encontré (solo encontré literalmente fotos de cuatro gatitos), y a Marcela Cernadas tampoco la encontré. Busqué a Carla Monguilner y comprendí que a mí la albañilería no me va así que bien derrotada estoy por poco útil; Francisco Estarellas pinta ladrillos así que hace juego y perfila el criterio del jurado: bases sólidas. Muy bien no entendí que hace Guigui Kohon (¿biyuterí muy fea e imponible?  ¿Diseño de joyería de materiales reciclables que luego se mejorará a la vista para poder comercializarla?  ¿algo así?); tampoco entendí lo de Lisa Gimenez (¿arte digital o meras fotos?).   José Franko es un artista cubano que tapiza sillas; Maria Laura Vazquez y Violeta Risueño son fotógrafas; Mariano Balbuena un escenógrafo que hace maquetas, Paula Otegui es de los artistas que exponen en ArteBA.  Todos (salvo los dos que no encontré) señalan en sus curriculums el haber estudiado formalmente una carrera artística y ejercer cierto modo de docencia. 

 

Puede que mi paupérrima condición de autodidacta haya sido lo que no me colocó a la altura para acceder a la competencia.  Deberé sentarme a analizar el asunto para poder aprender de los que, evidentemente, saben más que yo  (de hecho, saben no ser rechazados, algo que yo no aprendo por más que pasen y pasen los años).

 

 

Post data (de una de mis voces, la de anteojos): Tampoco entendiste nada de marketing.  Se reseñan los "logros"  no los "fracasos".  ¿Qué necesidad hay de contar acá que te rechazaron? Es exactamente lo contrario de lo que hay que hacer.  Se publicitan las acciones positivas no las patéticas derrotas...

 

  Tanto como no soy de la generación de los ipad, ipod, tablets, Smartphone y Xbox, y de WhatsApp, Tumblr, Twitter y Facebook, no soy –OB-VIA-MEN-TE- partidaria del iBook bajo ningún concepto.  Pueden recitarme toda la retahíla de argumentos a favor: su menor costo, su mínimo volumen que libera de la necesidad de espacio físico, su disponibilidad constante y hasta su impermeabilidad ante la lluvia y la humedad porteña.  Fascinante, pero no, no y no. 

  Permítanme el necio empecinamiento en conservar y acrecentar mi biblioteca con volúmenes de papel aun a riesgo de provocar el derrumbe de la parte alta de mi casa.  Nada se compara a la gravitación física de los libros y a ese olor inconfundible y clásico, mezcla de polvo, papel viejo, goma de encuadernar  y tinta (que por alguna trampa sensorial a mí me rememora el olor de las cajitas de cartón de los flanes Ravana de mi infancia).

Así, con elegante retórica, puedo atribuir a esta raíz anacrónica y conservadora de mi temperamento mi obstinada reticencia ante el dogma contemporáneo del marketing que he venido evidenciando los últimos días.  Y para dotar de cierta veta romántica al asunto, busqué entre mis viejos diarios de adolescente (cuando eran libretas Arte con espiral dónde escribía) las citas y frases señeras que compilaba entonces como decálogo de mis personalísimas tablas de la ley .

Aquí transcribo algunas, quizá como contraoferta a los “tips de marketing para artistas”, quizá como disculpa que explica el cómo he acabado siendo la persona que soy hoy.  Quizá como invitación para cualquier joven artista en sus comienzos que circunstancialmente lea estas líneas a considerar más de dos (diez, mil, todas) maneras de caminar su destino en el arte.

“Cuando tengas duda si tu cuadro está terminado, recurre a este secreto. Presta mucha atención a lo que sigue.  Coge el esqueleto de un erizo de mar de tamaño insólito por lo grande.  Contra la abertura pentagonal formada por lo que es conocido como la linterna de Aristóteles, coloca la cara cóncava de un lente… toma la tela de una araña y forma con ella unas líneas a través de la lente enlazando los cinco puntos del pentágono como para formar una estrella.  En el extremo opuesto del caparazón del erizo  haz un agujero con una barrena, lo suficiente para poner un lente de aumento.  Entonces verás por primera vez en tu vida, puesto que antes de mí nadie había tenido la idea de mirar a través de un nuevo agujero… Veras, repito el interior de una de las más bellas cúpulas naturales que le es dado contemplar a una criatura humana …Mantener ésta sobre tu cuadro, de suerte que su reducida imagen aparecerá en ella…  … si tu cuadro se muestra concluido, lo estará y si se muestra inacabado, así será.”   

Salvador Dalí, 50 Secretos mágicos para pintar

“La calidad de un pintor depende de la cantidad de pasado que lleva consigo.”  “La inspiración existe, pero tiene que encontrarte trabajando.”  “El éxito es peligroso. Uno comienza a copiarse a sí mismo. Y copiarse así mismo es más peligroso que copiar a otros. Conduce a la esterilidad.”  “¡La pintura es libertad! Cuando uno salta, también se puede caer en el lado falso de la cuerda. Pero si uno no quiere arriesgarse a caer de bruces, ¿qué se puede hacer entonces? En ese caso lo mejor es no saltar.”  “ El cuadro no es pensado y fijado por adelantado: mientras se hace, sigue la movilidad del pensamiento. Una vez terminado, cambia aún más, según el estado de quien lo mira. Un cuadro vive su vida como un ser vivo, experimenta los cambios que la vida cotidiana nos impone. Esto es lógico, ya que un cuadro sólo vive gracias a quien lo mira.”  “Yo no evoluciono, yo soy.  En el arte, no hay ni pasado, ni futuro. El arte que no está en el presente no será jamás.”  “Cuando era un niño, mi madre me dijo: ´Si te haces soldado, serás un general.  Si te haces monje, terminarás siendo Papa´.  EN lugar de eso me hice pinto y me he convertido en Picasso.” 

Pablo Picasso

“Todavía estoy aprendiendo” (escrito por Francisco De Goya en un dibujo que hizo a los ochenta años).

Goya

“No puedo cambiar el hecho de que mis cuadros no se vendan. Sin embargo, el tiempo hará que la gente reconozca que mis cuadros valen más que el valor de las pinturas utilizadas en él.”  “Elegí conscientemente el camino del perro a través de la vida. Voy a ser pobre. Voy a ser pintor.” “He puesto mi corazón y mi alma en mi trabajo, y he perdido mi mente en el proceso.”

Vincent Van Gogh

« Hoy día se quiere explicar todo. Pero si se pudiera explicar un cuadro, no sería una obra de arte. ¿Debo decirle a usted qué cualidades constituyen a mi juicio el verdadero arte? Debe ser indescriptible e inimitable... La obra de arte debe cautivar al observador, envolverle, arrastrarle. En ella comunica el artista su pasión; es la corriente que emite y por la que incluye el observador en ella. »  « El problema es que si un artista sabe que es un genio no trabaja. La única solución es trabajar como un trabajador y no tener delirios de grandeza. »  « Voy a decirles lo que creo que son las dos cualidades de una obra de arte... En primer lugar, debe ser indescriptible, y en segundo lugar, debe ser irrepetible. »

Auguste Renoir

“Todos los temas se vuelven buenos por mérito del autor. ¡Oh, joven artista!, ¿esperas un tema?  Todo es tema, el tema eres tú mismo, son tus impresiones, tus emociones frente a la naturaleza.  Dentro de ti es donde debes mirar, y no a tu alrededor.”  “Lo que mueve a los genios, lo que los inspira no es una nueva idea, sino la obsesión con una idea que no fue trabajada lo suficiente.”

Eugene Delacroix

“El arte es una línea alrededor de tus pensamientos.”

Gustav Klimt

“No trabajas para ganar dinero, sino para justificar la vida.”

Marc Chagall

  

“Desde muy chico garabateaba papel…  Es una cosa que ha nacido conmigo, que me parece, por lo menos, que he venido haciendo toda la vida…”  “Créanme que estoy agradecido por los sufrimientos que me deparó la suerte.  Es lo que muchos no pueden comprender.  Nada contribuyó tanto a hacerme artista, a permitirme imponer mi personalidad, a sustraerla de todos los desvíos capaces de debilitarla…”

Benito Quinquela Martín

“El arte nunca progresa, evoluciona.”  “Si no hay poesía, no hay arte.” “ (...) Y ni siquiera hace falta el lápiz o la carbonilla. También se puede dibujar con el pincel. Pero hay que dibujar, porque si no, no hay cuadro que resista.”

Raul Soldi

Por exceso de racionalización o por vocación innata a jugar de abogado del diablo, me quedé ayer rumiando sobre los posts que había compilado aquí sobre  marketing para artistas.  Y mientras reconozco que muchas de las prácticas sugeridas son las mismas que en los hechos hacemos casi instintivamente los artistas periféricos huérfanos de galerías, no pude evitar el buscarle la quinta pata a esas mismas cuestiones y, claro, se la encontré.  Me explico.

El asunto de reseñar la carrera, armando curriculums con detalle e imágenes de los eventos,  registrando pormenorizadamente las obras y tratando de difundir el quehacer por medio de terceros (libros o directorios de arte, revistas especializadas, diarios masivos, sitios web), de modo que “se sepa” quién es uno y lo que hace, es algo que hemos hecho y hacemos todos. Es de manual.  Apenas arrancás en esto, ya para postularte a una convocatoria o para acceder a un espacio de exposición te piden tus antecedentes, tu ¿quién sos?

Pero por ganas de ser contradictoria me puse a considerar que esto tiene también sus serios riesgos.  Obviamente, no cuando uno es más o menos honesto con la “realidad” que relata, cuando la vida que se plasma es la vida que uno lleva y cuando se ha invertido más de la mitad del alma en conservar siempre y a cualquier precio la coherencia y el autorrespeto. Cuando el curriculum habla de lo que uno ha venido haciendo a fuerza de voluntad y convicción, a mero golpe de pasión.

Se sabe que el pez por la boca (o por la web) muere.  Y puede que este paradigma del saber popular se aplique a los artistas que se construyen a puro marketing y que su obra más que un reflejo del espíritu intangible de su autor sea el pálido espejo de su más ávido bolsillo. 

Hace un tiempo alguien (para poner en evidencia mi baja productividad fruto de mi distracción en  proyectos paralelos) me mandó por mail el enlace de un artículo sobre otro artista que me es contemporáneo (ambos somos del 67): http://www.soloazar.com.ar/latinoamerica/noticia/6284-Bienvenidos-a-BerazaMilo. La intención era fastidiarme –lo que consiguió-, pero lo que me dejó “impresionada” (¿?) fue el nivel de productividad del colega:

“… Está revelando cómo un ex empresario textil pudo convertirse en un pintor que produce más de 1500 obras al año. Por supuesto, la explicación no basta. Para entenderlo tal vez haya que remontarse a sus orígenes chaqueños, que marcan el colorido y temas de su pintura, o puede ser que tenga que ver con la influencia de Jorge de la Vega, Nigro, Macció y Deirá en su obra. Quizás simplemente sucede que Lockett siempre fue un pintor disfrazado de empresario, esperando al 2002 para dar el salto. Lo cierto es que esta dinámica combinación lo ha convertido en el centro de la escena artística argentina, y, por supuesto, de su presentación en el Hipódromo Argentino de Palermo.  En sus 10 años de carrera siempre ha sido bien recibido por el público…”

¿1500 obras al año?  ¿1500?  Tal vez yo sea un poco snob (que lo soy) y que esté llena de prejuicios anacrónicos que me impiden asociar arte con empresa, pero no puedo evitar pensar que ante tanta cantidad de obra debe hacer agua la calidad de cada una de ellas. ¿1500?

Una reseña de este tipo solo sirve para despertar la curiosidad.  Seguramente era la intensión pero ¿el publicista que la redactó hizo un control de riesgos y daños colaterales? ¿Tuvo en cuenta que a veces el que lee también piensa por su cuenta (a escondidas de Forster, claro)?  Porque uno lee y se pregunta: ¿sólo 10 años de carrera y ya estamos ahí, top de los top, la estrella más brillante?  Yo miro la obra en cuestión y no me gusta (perdón, en realidad no las diferencio.  Las 1500 de un año me resultan iguales a las 1500 del año siguiente).  Claro que de qué vale mi opinión…  Yo debo estar equivocada, ya que este artista está actualmente pintando las oficinas de Facebook en Baires: http://nochegeek.com/2014/05/22/milo-lockett-pinto-en-las-oficinas-de-facebook/

Ya decían los gurús del marketing: para triunfar en el arte hay que estar en Facebook.  Por eso triunfa: sigue los consejos marquetineros al pie de la letra.  Pero veo en la foto que no pinta solo, por lo que las 1500 me son más creíbles.  Pero, ¿cuál es la gracia? Y, ¿dónde las mete?  Más aún: ¿para qué quiere tanta figurita repetida? ¿A todas les pondrá nombre? ¡Qué inventiva y qué memoria!

Pero evidentemente yo estoy en todo AB-SO-LU-TA-MEN-TE equivocada y es ASI como se hacen las cosas si uno quiere triunfar (en sólo 10 años de carrera). 

El marketing permite que todo esté a la vista y que si alguien habla de éxito todos lo repitan como un coro griego.  Y de tanto repetirlo se hace realidad: la palabra constituye el hecho (aunque este, en el plano tangible, no exista).  Pero ¿es así de simple?  Supongo que no. Siempre hay algo más.  Vemos la punta del iceberg, el resto se pierde en el océano de vaguedades.  Buscando explicaciones uno puede ir por el camino pragmático del dinero.  Esto también está en la web:

https://www.youtube.com/watch?v=VWf-mpNYQIA

Tal vez sea uno de los principales consejos de marketing que yo no leí (porque es de los que se dicen en voz baja y solo al selecto grupo merecedor de esos secretos) el acercarse al político de turno y adherir con fe a las convicciones del momento para asegurarse el reconocimiento público, los fondos necesarios y el sostén seguro para la vejez propia y de las generaciones venideras.  Lockett supo ponerse bajo la sombra protectora de Capitanich en sus tiempos de gobernador de Chaco –provincia natal del artista- y así  “subsidiar” su labor artística en sus pagos,  viniéndose para la Capital cuando el gobernador pasó a ser Jefe de Gabinete de la Nación.  

Supongo –ya que dos más dos en mi planeta dan cuatro- que fue por esta vía que consiguió que el INCAA, el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, financiara con los impuestos de los ciudadanos del país que preferirían se gastaran en otra cosa el INCOMPRENSIBLE un documental con la vida de Lockett: “Rey Milo” (http://www.telam.com.ar/notas/201405/63104-los-mundos-de-milo-lockett-en-un-documental-de-federico-bareiro.html).

Es evidente que el marketing es eficaz.  Que es el único camino certero para triunfar en el arte. Yo, también es obvio, hablo de envidia y resentimiento. El mismo rencor que me impulsó hace un par de años, al cruzarme en el aeropuerto de Ciudad de Panamá a Capitanich, a querer insultarlo a los gritos (lo que lamentablemente me impidieron).  Yo cumplía los trámites de aduanas como cualquiera, Capitanich y sus hijas adolescentes iban por el sendero despejado de la vía diplomática. Yo había pagado mi pasaje turista en una línea comercial, él y su cría usaron el avión sanitario de la gobernación bajo la excusa de que lo llevaba a “reparar” (¡a Panamá!).  Yo sigo trabajando a destajo para subsistir y pagar los impuestos bajo constante amenaza de la AFIP; a él lo premiaron con la Jefatura de Gabinete (aunque a mi criterio ese premio terminó con sus aspiraciones políticas).  Sí, yo soy una resentida. Una mediocre y amargada artista frustrada  que descree del marketing (y de la política).

 

Algo que debería haber aprendido a estas alturas es: uno, no pronunciarme en contra del psicoanálisis ante un grupo  de psicoanalistas; y dos, no discutir sobre publicidad con un publicista.  Aunque el publicista en cuestión sea en realidad un psicólogo social y su labor encubierta tenga más de técnicas de lavado de cerebro que de leal y frontal publicidad.

 

Por mi desliz me vi durante los últimos días atiborrada de material que canta loas de la eficacia del marketing para artistas.  No niego que haya mucha gente tanto convencida como dedicada a este asunto, muchísima si me detengo a observar cuanto hay escrito circulando por la red y de los seminarios, congresos y cursos que están llevándose a cabo en el mundo “real”.  Más allá de mi inconmovible convicción de que el arte es otra cosa, con reglas y tiempos propios, y no un mero producto puesto a la venta en el mercado masivo, me he detenido a leer todo lo que me llegó a las manos las últimas 48 horas.  Sigo la premisa de que hay que conocer al enemigo para poder combatirlo.

 

Tras la lectura pormenorizada confeccioné el siguiente ayuda memoria:

 

“ (…) Ser un artista no es fácil y la tentación de poner su carrera artística en espera y centrarse en otros intereses en lugar del arte a veces puede ser abrumadora. (…)
Por lo tanto hay que continuar con la actividad creativa no importa cuán difícil resulte este proceso. Continuar a pesar de que usted no está vendiendo nada. Continuar, incluso si no está satisfecho con lo que está produciendo. Perseverar, trabajar a través de los tiempos difíciles…  (…)  Usted tiene que documentarse a sí mismo y a su obra. Usted tiene que dar la impresión de que es un artista serio. Usted debe presentar pruebas tangibles de sus logros que cualquiera puede ver, leer y entender. Las siguientes sugerencias le ayudarán a lograr estos objetivos:

- Unirse a  organizaciones de artistas y figurar en las nóminas de miembros.

- Solicitar a un artdealer o  galería a publicar un catálogo de su obra con,  por lo menos, doce páginas. 

- Siempre que sea posible, conseguir figurar en catálogos de exposiciones y boletines de los museos, asociaciones de arte, exposiciones colectivas, eventos con jurado o no, muestras en ámbitos locales, regionales y estatales. 

- Haga que su trabajo se reseñado en los periódicos o revistas. Siquiera una mención de una palabra en un pequeño artículo en la parte inferior de la página en el periódico de barrio es bueno. 

- Aparecer en los listados de los principales diccionarios biográficos como el Quién es Quién en el arte americano. Pero sólo en las publicaciones que aceptan los solicitantes sobre la base del mérito, y no cobran por los listados. Directorios que cobran por los anuncios son generalmente mal distribuidos, y no son tomados en serio por los coleccionistas. 

Quieren una prueba física - y cuanto más, mejor - que confirma que eres un artista. Desean tomar la prueba de ello en sus manos y colocarla en las manos de cualquier otra persona que esté pensando en comprar su obra. Decir no es tan eficaz como mostrar. El curriculum vitae está muy bien, pero los libros, catálogos y artículos publicados por terceros neutrales  realmente impresiona. Es una prueba del mundo exterior que usted es quien dice ser.
(…)…una buena documentación siempre aumenta el valor de su arte.
Ahora, para algunos consejos sobre la comercialización. Vender arte es una tarea competitiva. (…)  A menudo implica algo más que ser capaz de hablar cómodamente sobre su obra. La mayoría de los coleccionistas de arte contemporáneo se relacionan con los artistas como una parte esencial de su proceso de selección. Los coleccionistas aman involucrarse en la comunidad artística, dedicando tiempo a visitar galerías, uniéndose a entidades benefactoras de museos, concurren a inauguraciones, visitan estudios o talleres de los artistas…  Así que cuando usted está llamado a actuar como su propio promotor,  debe estar listo. (…) …los galeristas reconocen que los artistas que tienen habilidades sociales y conversacionales tienen una ventaja sobre los artistas que no. Les da a elegir entre dos artistas igualmente calificados, la mayoría de los dealers van con el que sale mejor en público. (…)”.

(Texto de  la  charla dada a los artistas en el Centro de Arte de Indianápolis y a los estudiantes de arte de la Escuela de Arte de Herron en la Universidad de Purdue, también en Indianápolis. Fuente: http://www.taringa.net/posts/arte/11883468/Consejos-de-marketing-para-aumentar-el-mercado-del-arte.html)

“El arte es la capacidad creadora del ser humano, decía Platón, y estoy alineada con ese concepto. (…) …el arte, entendido como una actividad (o producto) realizado con finalidades estéticas o comunicativas, a través del cual se expresan ideas, emociones o una visión general del mundo, y donde tuvo -en principio- una función ritual-mágica, se evolucionó de tal modo, adquiriendo un componente estético y una función social, pedagógica, y mercantil.  El arte entendido como un medio de expresión humano de carácter creativo, mal que le pese a cualquiera, también es un negocio, y eso se ve representado en un escritor que vende libros, en un pintor que vende cuadros, en un escultor que vende piezas de cerámica, o en un músico o canta-autor que vende discos, o una bailarina o cuerpo de baile, que comercializa sus shows.
Ya el simple hecho de la exhibición, es un método de promoción, aunque no hayas fines comerciales. Estamos mostrando lo que somos y lo que hacemos, para dejar una huella, o simplemente para plasmar nuestros sentimientos, emociones, y reflejos de nuestros intereses. Las redes sociales son una nueva herramienta para los artistas, quienes utilizan estos métodos para difundirse (Twitter, facebooks, blogger) en ellas nos estamos "vendiendo" todo el tiempo, vendemos y compramos información, entretenimiento, contenidos, aunque no hayan transacciones comerciales. Todo ese intercambio nos hace crecer, opinar, dialogar, compartir, diferenciarnos del resto”.  Rosina W. Alvarez © 2010  (Fuente: http://www.xing.com/net/ne_telecomunicaciones/e-marketing-382688/el-marketing-como-estrategia-del-arte-34732243)

“(…) ¿Por qué si el arte ha triunfado —y podemos tomar el éxito monetario de Hirst como un signo de que así es— en su lucha por ser libre de toda atadura histórica, política, filosófica y moral, por qué, como resultado, los artistas han homogeneizado su producción?

Precisamente los artistas, quienes por definición deberían ser singulares, ¿cómo es que todos hacen lo mismo en todas partes del mundo? ¿Por qué si no hay ningún poder que les conmine a actuar de cierta forma todos procuran un mismo tono, un mismo sentido del humor? Una cierta pretensión de astucia frente al sistema y la historia del arte, y aun en los casos de una producción orientada hacia la conciencia social o una exploración intimista, como algunos escandinavos o latinoamericanos, el resultado sigue siendo el de un mensaje algo trivial trabajosamente encriptado.

El crítico Robert Hughes no se lo pensó dos veces para denunciar la monstruosidad que significaba el éxito de Sotheby’s con Hirst, tal cantidad de dinero por un arte superfluo. Su colega en The Guardian, Germaine Greer, le respondió con el juicio de los que suelen defender el arte contemporáneo: sencillamente lo llamó “anticuado”. Pero creo que Greer en su artículo, y aun en su limitada comprensión de las cosas, fue mucho más acertado que Hughes: “El innegable genio de Hirst consiste no en hacer grandes obras de arte, sino en conseguir que la gente las compre. Damien Hirst es una marca, porque el arte del siglo XXI es el marketing”.

Estoy seguro de que si les preguntásemos, la inmensa mayoría de los artistas que no comparten el éxito ni el cinismo de Koons, los Chapman Brothers o Hirst, dirían, con diversos grados de indignación relativos a la juventud, que su arte es mucho más que marketing. Es definitivo que la línea histórica que une las producciones más recientes del arte contemporáneo con las vanguardias puede leerse claramente sobre el abandono de las técnicas de representación, el camino hacia “el concepto”, pero la angustia intrínseca, la preocupación existencial que nos encuentra en las obras europeas producidas de 1900 a 1950 han desaparecido por completo. Como Baudrillard ha señalado, y como cualquier artista medianamente exitoso sabe perfectamente, el sistema de mercado del arte contemporáneo es perfectamente afín a la lógica de la rapiña capitalista, no se distingue en nada de la lógica financiera de la especulación; se juega en cotizaciones, burbujas e inflación y demanda; un sistema que permea el mercado desde mucho antes de que el arte llegue a las salas de exhibición y que empieza desde la elección de los temas, los colores y los materiales. Quizás desde las últimas obras de Warhol. El mercado comienza ahí donde se suponía que el artista gozaba de una libertad irreductible: en su proceso creativo. La vida interior del artista no se distingue ya en nada de la vida pública de las ferias y las subastas. El triunfo del arte consiste en haber sido anexado, absorbido dentro de un sistema global que dicta la moral de lo que se consume en materia alimenticia, lo que se piensa en materia política, lo que se juzga en el campo psiquiátrico y lo que se practica en las disciplinas sexuales, como en una especie de totalitarismo infinitamente discreto.

Tal vez tenga razón Eric Hobsbawm —aunque no en el sentido en el que él lo expone— al decir que las vanguardias fracasaron. Esto explicaría el cinismo de los artistas contemporáneos, siempre acompañado de la fantasía de “burlar el sistema”; no les queda otro camino para medianamente salvar la vergüenza al llamarse artistas ante la tremenda carga semántica que otros antes que ellos le otorgaron al vocablo, y si es cierto, como afirmó Levi-Strauss, que son los cambios socioeconómicos lo que producen los cambios ideológicos y no a la inversa, a este nuevo arte le queda aún una vida muy prolongada bajo la exacta fórmula de Chesterton: “Todo prolonga su existencia negando que existe”. Erick Vázquez (Fuente: http://revistareplicante.com/el-triunfo-el-arte-como-marketing/)

 

“La promoción exitosa de las artes depende de mostrar tu trabajo a los compradores objetivos. Si eres un artista tratando de mostrar y vender tu trabajo o de una organización artística tratando de llenar tu lugar para una actuación, no llegarás muy lejos sin la comercialización de tus ofertas. Una promoción exitosa es dirigida a tu audiencia potencial con varios métodos. Utiliza un enfoque mixto derivado de las diferentes formas de promoción, que van desde los medios impresos tradicionales hasta el marketing en línea.

Marketing impreso: Puede parecer como si el mundo de la electrónica se haya hecho cargo, pero la comercialización tradicional impresa sigue siendo eficaz. Crea tarjetas postales, volantes y folletos por correo a los suscriptores y distribúyelos en lugares como tiendas y cafeterías. Envía comunicados de prensa a los periódicos y considera la compra de anuncios en revistas de artes locales. Las tarjetas de visita pueden ser apropiadas para la difusión de la palabra, sobre todo para los artistas individuales.

En línea: Tu primera prioridad en el marketing en línea es crear un sitio web que incluya en tu oferta de mínimos, un calendario de eventos e información de contacto. Un sitio de trabajos con un sumario de todas las futuras galerías y una forma de adquirir las obras de arte es apropiado para los artistas visuales. (…) Mantén un blog y un enlace a tu sitio web. Muchos sitios de eventos en línea y las páginas de entretenimiento de los periódicos en línea te permiten alistar tus eventos de forma gratuita.

Correo electrónico: Crea un boletín de correo electrónico para enviar a las personas que se suscriben a él en tu sitio web. Nunca envíes correo electrónico no solicitado, o puede ser considerado un correo no deseado. Que los lectores no sólo sepan sobre muestras o eventos, sino que también ofrezcas valor a tus suscriptores más allá de la información básica. (…)

Medios Sociales: Las cuentas de medios sociales te dan la oportunidad de tener conversaciones virtuales con tu audiencia potencial. Hazle saber lo que es especial acerca de tu arte con una página de Facebook que haga hincapié en los álbumes de fotos, e incluye enlaces a tu sitio web, donde puedan adquirir piezas.  (…) Pídele a la gente lo que les gusta de tu oferta de arte, inicia un diálogo y que se vaya desarrollando una audiencia comprometida dispuesta a ayudarte a difundir la palabra acerca de ti.

Eventos comunitarios: Muchas comunidades sostienen "paseos de arte" mensuales que muestran las artes visuales, musicales y de danza en galerías y otros negocios locales. Envía una cartera y solicita tu participación para llegar a un público objetivo. Alquila un stand en una feria local o festival para mostrar tu arte.  (…)” Maria Christensen, Demand Media | Traducido por Franco Castro  (Fuente: http://pyme.lavoztx.com/ideas-en-el-marketing-de-arte-7776.html)

 

Post data:  De lo trascripto arriba,  no surge nada que no sea de práctica común en cualquier artista que se dedique en serio a esto:  documentar la obra y los eventos en que participa, tratar de difundir las muestras y los reconocimientos obtenidos, invertir en gráfica y folletería, prender una vela a cada santo para que algún periódico reseñe una muestra...  Resulta evidente también que el artista que sabe "venderse"  con exuberancia tiene más allanado el camino que aquel que es tímido e introvertido.  Es un hecho que lo que hace Hirst es cualquier cosa menos arte. Las técnicas y consejos de marketing parecen más un compendio de obviedades resultantes de la observación atenta al colectivo artístico que la elaboración técnica de nuevas e infalibles recetas para acceder al éxito.  ¿Por qué pagarle a alguien -el "publicista"- para que haga como "innovación" lo que uno ya lleva haciendo añares?  Nada nuevo hay bajo el sol.  Todo se trata de mucho trabajo y mucha pasión. Tiempo y, claro, suerte.  Mucha  e impredecible buena suerte.

 

 

La discusión arrancó con el tema de las fotos.  Originariamente, ante mi negativa de poner sellos de agua a las fotos de mis obras subidas a la web, concilié con el crear un blog para concentrarlas y de esa manera ejercer cierto poder de custodia sobre la propiedad intelectual de las imágenes.  Sentar precedente público de mi autoría.  O algo así.

  Aunque, como ya he dicho varias veces, a mí no me molesta que usen las imágenes de mis obras; por el contrario, lo siento como un generoso halago ya que implica el logro de comunicación con un desconocido que el arte tiene como meta final (ser un  lenguaje universal).  Pero para cerrar una discusión que pintaba ser eternamente reiterativa, subí las fotos de mis trabajos en un blog vinculado a este (El gato de Cheshire – Trastienda de Arte  Art Gallery), al que –a las vistas está- no le presté nunca demasiada atención.    Subir las fotos como en una galería fija y virtual ME ABURRE. 

  Por el contrario, el usar las imágenes de mis obras para incluirlas como separadores en este blog, referirlas cuando se mueven en concreto a alguna muestra, fragmentarlas, superponerlas, recortarlas y jugar con ellas al incluirlas cotidianamente en esta especie de diario personal realmente me divierte.

  Y ahora resulta que eso está MUY MAL.  No tengo que toquetear las imágenes de mis obras.  Cómo voy a recortarlas y montarlas con otras, tomar fragmentos de obras inconclusas y superponerlas con otras terminadas y hasta con algunas ya vendidas.  Estoy confundiendo el producto, creando una publicidad engañosa, estoy haciendo no sé qué pero que es exactamente lo contrario al A-B-C más básico de las técnicas de comercialización. 

   Si se trataba originariamente de reguardar mi propiedad intelectual, ¿por qué resulta que ahora no tengo derecho alguno sobre MIS obras?  Son mías, yo las hice, yo las tengo, yo saqué las fotos y yo las presento como se me da la gana.  Este blog no está publicitando y mucho menos vendiendo nada.  Sólo le hablo a vaya uno saber quién sobre las vaguedades y contradicciones que pueblan mi pensamiento, ilustrando mis desvarios con fotos caseras de dibujitos hechos por mí. Punto.   

  El que uno sea lo suficientemente educado como para escuchar lo que otra persona dice cuando abre la boca no significa que uno esté de acuerdo y que acepte que se metan a digitar una vida que, temo por ellos, es exclusivamente mía.  Y, en serio, SE ACABÓ LA DISCUSIÓN.  Mis obras son mías, las fotos que tomo de ellas son mías también y este blog es de mi exclusiva y excluyente propiedad. No reconozco señorío superior sobre ellos que el que yo ejerzo.   Y no-lo-com-par-to.

  Traducido: déjenme en paz porque es tiempo y esfuerzo perdido. Palabra de oráculo.

No vivas como vivo yo

Si quieres ser matusalén

Vigila tu colesterol
Si tu película es vivir cien años,
No lo hagas nunca sin condón.
Es peligroso que tu piel desnuda
Roce otra piel sin esterilizar,
Que no se infiltre el virus de la duda
En tu cama matrimonial.

Y si en tus noches falta sal,
Para eso está el televisor.
Si lo que quieres es cumplir cien años
No vivas como vivo yo.

Deja pasar la tentación
Dile a esa chica que no llame más
Y si protesta el corazón
En la farmacia puedes preguntar:
¿tiene pastillas para no soñar?

Joaquín Sabina  Pastillas para no soñar

  Como resultado de mi entrada de ayer, esos incondicionales amigos -llenos de buena voluntad y negándose a reconocer que soy un caso perdido- me saltan a la yugular al grito de “¡Ves, ves, lo estás reconociendo!  ¡Tu problema es la falta de astucia y de relaciones!  ¡No te sabés vender! ¡Contratá a alguien que sepa para manejar tu carrera!”

  He intentado, con perseverancia cortés, sacarme de encima estos amigos, tanto por proteger su salud y su presión arterial como por vocación de conservar mi paciencia y mi buena educación.  No.  No.  Y no.  Yo soy una artista no “hago” de artista.  No me visto para parecer artista, no hablo de modo estrafalario para ser tomada como artista, no vivo de modo excéntrico ni acepto ridiculizar grotescamente mi existencia para ser “vista” por el mundo como artista.  No sociabilizo con las personas que-hay-que-conocer ni me exhibo cual objeto fetichista en los eventos in  a los que no se puede dejar de ir si uno quiere ser tenido en cuenta.  No, no y no.  No me presto al circo.  Ni siquiera tengo tiempo para desperdiciarlo en eso.  Yo pinto, ¿se acuerdan?

  No pretendo tener la razón.  Seguramente estoy equivocada, pero es mi vida y estoy bastante en paz con mi conciencia por el modo en que la enfrento.  Que mis tres voces se me rían a carcajadas dentro de la cabeza con cierta constante periodicidad es mi psicosis personal y con la que he aprendido a convivir.   ¿A quién molesto haciendo las cosa mal pero a mi entera satisfacción?  No pretendo ser ejemplo de nada, sé a ciencia cierta que mis comentarios volcados en este blog y mi cruzada infantil de no aceptar las reglas del mercado del arte no hacen la más mínima mella en el sistema del que reniego.  A nadie le importa mi rebeldía y mi crítica.  No existo con entidad suficiente para ser captada en su radar.

Me constituyo voluntaria a ser el ejemplo vivo de lo que NO HAY QUE HACER para triunfar como artista.  Soy el error de criterio personificado.  Todos lo sabemos ya, ¿por qué no pueden dejarme en paz?  No vivan como vivo yo, y déjenme seguir en mi acogedora y equivocada deriva.

Pero la paz ajena no es un bien valorable en el mercado y hay quienes creen que es requisito de la amistad ser densamente insistente.  Me hacen llegar –creyendo que es prueba concluyente de su razón y mi torpeza- una especie de “manual para el éxito artístico” que circula por la web.  Lo copio y lo anoto en mi carácter de editora de este espacio:

7 Tips de Social Media Marketing para artistas y galerías http://marketingeros.com/blog/marketing/241-7-tips-de-social-media-marketing-para-artistas-y-galerias

Según la firma de investigación de mercado “GmK-Emer”, cerca de 5.000 comerciantes de arte y galerías en Europa con ingresos anuales combinados de alrededor de Euros 6 mil millones, y el “Monitor de Mercado del Arte”  estima que el tamaño del mercado global del arte en general va a ser de alrededor de $ 15 mil millones anuales. También hay más de 200.000 artistas plásticos que trabajan en Europa, según un estudio reciente de la Fundación Nacional para las Artes.
Pero mientras que las bellas artes son un gran negocio, a menudo existe una amplia brecha entre el proceso creativo que hace a un gran artista o un galerista sofisticado, y el proceso de marketing que impulsa la marca y las ventas.

"Para la mayoría de los artistas, el éxito en última instancia se reduce a su eficacia en la comercialización", dice Darius Himes, Director Asistente de Fotografía artística galería “The art Wolf” en Alemania. "Los artistas deben aceptar el hecho de que tanto su trabajo, y ellos mismos como artistas, son marcas que deben ser comercializadas".
Así que si eres un aspirante a artista que quiere construir algo bueno al inicio, o un veterano comerciante de arte que busca ampliar el conocimiento de su marca, vale la pena obtener comprensión de las nuevas técnicas de marketing social para ayudar a alcanzar sus objetivos. A continuación están siete estrategias de marketing social eficaces.

Nota 1. Tras leer que “los artistas deben aceptar el hecho de que tanto su trabajo, y ellos mismos como artistas, son marcas que deben ser comercializadas” iba a claudicar de mi buena voluntad y comenzar con los insultos.  Pero si ya así empezábamos en el segundo párrafo probablemente la sarta de barbaridades que iban a enfurecerme a lo largo del texto podrían revestir  entidad suficiente para constituirse en el fin definitivo de esta eterna discusión.  Por una vez aposté a desencadenar la guerra en vez de por la paz y continué leyendo.

1. Optimice su sitio web

Un sitio web es una inversión para hacer negocios, y es esencial que los artistas tengan por lo menos un mínimo de presencia en la web. Pero incluso artistas establecidos y galerías con sitios web robustos deben considerar una actualización, sobre todo para garantizar que el sitio esté optimizado para la búsqueda y móviles.  Himes señala que “The art Wolf” recientemente llevó a cabo una revisión completa de su sitio web para incorporar algo más social, la búsqueda y Buenas Prácticas de web marketing.  "Además de hacer una serie de mejoras estéticas y de navegación, también se eliminan todos los elementos basados en Flash que no se pueden buscar y que reduce la funcionalidad móvil", dice Himes. "También nos aseguramos de que el nuevo sitio web fuera escalable a cualquier dispositivo móvil, y que todas las páginas web tenían direcciones únicas que serían fáciles de alimentar a los medios de comunicación social".

2. Ocúpese Blogueando

Blogging es una de las mejores maneras de obtener su arte o galería encontrado por los motores de búsqueda y ofrecer un excelente contenido para alimentar sus otras actividades de marketing social.  "Bloguear es fundamental en este punto cuando se trata de SEO y para la construcción de una base de fans", dice Greg Heller-LaBelle de la empresa de marketing en Internet Marketing de visión diurna. "Lo principal que tratamos de inculcar en los clientes es empezar a pensar en sí mismos como creadores y sindicadores de contenido."
Además de publicar un nuevo trabajo o la promoción de nuevos programas o aberturas, su blog también puede ser un lugar para ofrecer un detrás de las escenas en su proceso creativo, compartir fotos de eventos artísticos relevantes o la crónica de su tiempo en una subasta de arte de prestigio.  "Como artista mismo y propietario de una empresa creativa, yo diría que mi consejo número uno es para tirar de la cortina y mostrar el detrás de las escenas de trabajo que se lleva a cabo", dice Mark Ley, Director General de una empresa creativa. "Demostrar cómo una pieza se hace, o la ubicación que está disparando la fotografía, todos ayudan a que el ventilador se sienten como si fueran parte de la creación".

Nota 2. Bueno, ¡una de dos no está tan mal!  Yo bloggeo y hablo de mi “proceso creativo”, lo que parece que en  marketing eso es algo bueno.  En cuanto a optimizar, yo uso el Blogger gratuito de Google porque es, precisamente, gratis y sobretodo sencillamente fácil.  Pero escribo en el blog con la frecuencia de mi diario personal.  Algo es algo.

3. Maximizar su presencia en Facebook

Tener una página de empresa en Facebook para tu marca artista o galería debería ser una obviedad: es gratis, es fácil de usar y le da acceso a más de 1 mil millones de personas.
Para utilizar Facebook como vehículo de promoción y sensibilización, primero configurar su página de negocios de Facebook e invitar a  amigos y colegas a "me gusta" la página y compartir con su red... entonces ¡comienza a publicar! Muchas de las estrategias de contenido mismo de su blog también se aplican a su página de Facebook, pero asegúrese de pasar también un poco de tiempo cada día en participar con tus fans.
"La razón principal por la que los artistas no cogen las redes sociales es que no están proporcionando un valor añadido a sus conexiones con contenido útil, interesante y relevante en sus comentarios y posts", escribe John R. Matemáticas de Space Light & Time Galería de Arte Online. "Como artistas participantes lo que necesitamos para estar activo, comprometido y consistente es proporcionar algún tipo de valor".

Nota 3.  No tengo Facebook ni lo tendré.  Es una práctica estúpida y muy mal escrita. No soporto ni las faltas de ortografía, ni las “modernas” abreviaturas ni las personas que escriben como si fueran Tarzán ¡y encima omiten letra con su torpeza de tipeo!  No, no y definitivamente NO a Facebook.  Guardo silencio piadoso respecto de las selfies y demás fotografías que nadie debería tomarse jamás y muchísimo menos publicar por respeto al buen gusto del prójimo.

4. Sea activo en Twitter

Twitter es una gran herramienta para la construcción de un público y la promoción de su arte o galería. La mejor manera de comenzar es mediante la búsqueda de personas relevantes o empresas a seguir, tratar de escarbar un sitio como Listorious para buscar listas de otras personas por temas. Por ejemplo, un galerista puede utilizar Listorious para buscar en el "arte" para encontrar listas de tweeters prominentes en el mundo del arte.  A continuación, iniciar tweeting. Como mínimo, todo el contenido que aparece en tu blog y otras noticias relevantes sobre su arte o eventos. No se olvide de usar hashtags con sus tweets para aumentar la capacidad de búsqueda de tu sitio.  También puede seguirlos con palabras clave y hashtags para encontrar fácilmente el contenido relevante para compartir y personas a seguir. Configurar una búsqueda en ejecución o columna de la herramienta de medios sociales (TweetDeck y HootSuite son grandes opciones), en condiciones particulares y hashtags lo que te permite buscar contenido interesante, y retweet y la gente se involucre.

Nota 4.  Tengo una cuenta de twitter que abrí un día con uno de estos mismos amigos que ahora me torturan gritándome en mi oído derecho que era una cuestión de vida o muerte.  Sólo la utilizo para cliquear en el ícono con la te al pie de las entradas de este blog donde hablo de una muestra abierta que puede ser visitada, como manera de hacer llegar a mi reducido círculo dónde y cuándo expongo.  Dedicarle más tiempo está fuera de mi capacidad de comprensión.

5. Tome ventaja de Pinterest

El uso de este sitio visualmente orientado a páginas sociales Pinterest se ha disparado en el último año, y muchos artistas están utilizando Pinterest para compartir su trabajo más allá de Facebook y Twitter.  Para empezar a trabajar en Pinterest, en primer lugar crear un perfil que incluya las palabras clave y la dirección de su sitio web, a continuación, iniciar la fijación. Cuando usted fija su arte, no se olvide de añadir una marca de agua para proteger la imagen, así como las palabras clave: Pinterest se puede buscar, así que asegúrese de describir claramente su pin. También debe personalizar el enlace para que apunte a su sitio web o cualquier otra página que esté promoviendo.  También puede obtener una mayor exposición para sus imágenes mediante la inclusión de un precio para el elemento en su descripción. Este truco simple agregar su pin de lor "Regalos" en Pinterest y mostrarán el precio en la parte delantera de la imagen en todo el sitio.

Nota 5.  No sé qué es Pinterest pero el que se le pueda incluir “precio” ya me resulta muy estresante.  Permaneceré en la ignorancia.

6. Experimento con los anuncios de Facebook

Muchos artistas y galerías también están usando anuncios de Facebook como una manera de bajo costo para promover nuevas ferias y eventos.  Artlog, una plataforma social que permita a las personas a conectarse con el mundo del arte internacional, utiliza los anuncios de Facebook para promocionar eventos y vender entradas para eventos artísticos como exposiciones, visitas y debates. Por ejemplo, 10 días antes de su Art Crawl Chelsea y fiesta el pasado verano, Artlog comenzaron a correr los anuncios de Facebook para promocionar el evento y la gente directo a la página web Artlog con el fin de comprar boletos. Por cada Euros 75 gastados en Facebook, Artlog obtuvo 200 Euros en ventas de entradas.  Facebook también le permite orientar las campañas o eventos diferentes para diferentes personas.  "Hay galerías y museos específicos que utilizaremos en nuestros gustos e intereses dirigidos, y porque sabemos que si las personas se comprometen con las galerías, es más probable que sea el público adecuado", dice Manish Vora, co-fundador de Artlog.

Nota 6.  Ya dijimos que no nos incorporaremos jamás a Facebook.  Fin de la cuestión.

7. Utilice los Comunicados de Prensa de la búsqueda

Mientras que las galerías suelen desarrollar y compartir notas de prensa sobre los próximos shows con los medios pertinentes, a menudo descuidan la distribución de su liberación a través del cable, por lo que se pierda en una de las mejores maneras de bajo costo para propagar su marca a través de Internet y de los resultados de búsqueda de unidad. Se puede utilizar un servicio de bajo costo, tales como PRWeb para distribuir su comunicado por menos de $ 100.
Para optimizar su comunicado de prensa para la búsqueda, empezar por hacer una lista de las palabras clave y frases que son más relevantes para su empresa, y luego cotejar estos términos usando de Google herramienta para palabras clave para evaluar el volumen de búsquedas mensuales. Una vez que tenga su lista de palabras clave, los utilizan en el título y el subtítulo de su liberación, así como en todo el cuerpo del anuncio. Evite la repetición con las palabras clave secundarias y terciarias.  Por ejemplo, si usted es una galería de arte de Berlín en busca de mejorar sus resultados de búsqueda en las frases "fotografía artística" y "Berlín" - galerías de arte, así como en torno al trabajo de un fotógrafo en particular - que podría incluir la frase "fotografía artística" en el título, subtítulo y el primer párrafo de la liberación, junto con el nombre del artista, mientras que incluye el término "Berlín galería de arte" en otra parte en el comunicado.  Asegúrese de adjuntar los enlaces a su sitio web o blog para estas frases de palabras clave en lugar de su nombre o términos genéricos como "apertura arte".
También debe considerar la adición de imágenes o video a sus comunicados de prensa: Comunicados que incluyan una imagen o un video se comparten tres veces más que versiones de sólo texto - y los espectadores pasan hasta treinta segundos más con este contenido.  ¿Cómo promocionar tu arte o galería con los medios sociales? Cuéntanos en los comentarios.  06Diciembre2012

Nota 7.  Se lo que son los comunicados de prensa.  Pero toda la explicación sobre los motores de búsqueda no solo no los entendí sino que me agobiron. Yo sigo la tradición de tener un listado con personas y publicaciones/medios/sitios web dedicados al arte a los que envío un mail con la gacetilla (con imágenes) del evento que quiero difundir.  Simple y a la antigua.

  Acabada la lectura me mantuve serena e interiormente victoriosa.  Yo escribo un blog –afirme con contundencia demostrando que cumplía al menos con uno de los “tips”.  No les pareció suficiente.  Diré que hasta sonó como si eso fuera lo menos importante.  Tuve que aguantar la perorata en defensa de los otros 6, discurso que acabó cuando, harta, me paré y me fui.  Mi perseverancia en ser "persona" en lugar de “marca” parece ser un capricho incomprensible.