"Sí, te vi, y al tiempo te negaba y acudía./ 
Sí, te amé, y hube de malvender cuanto tenía./ 
Sí, me fui en busca de una luna menos fría./ 
No esperes más de mí/ y acepta la verdad:/ 
que fue necesidad de compañía./ 
 Sí, traté de darle a mi camino algún sentido./ 
Sí, grité al lado de otro grito enardecido./ 
Sí, lloré por conocer al gran desconocido./ 
No pienses mal de mí,/ 
no hay trampa ni cartón,/ 
es solo una cuestión de hacer amigos./ 
 Si he pasado la noche en blanco/ 
escribiendo pa' los demás;/ 
persiguiendo una idea al vuelo,/ 
una emoción,/ un color sobre mi paleta,/ 
un gesto tras el telón,/ 
es mi forma de decirte/ 
hola, como estás…/ 
 Sí, robé, y tengo que esconderme noche y día./ 
Sí, mentí con premeditación y alevosía./ 
Sí, maté y al tiempo que sangrabas me crecía/ 
apiádate de mí,/ 
no es toda la verdad/ 
fue pura soledad lo que tenía./" 

 Joan Baptista Humet, Hacer Amigos (1984)

“…en Buenos Aires la obsesión por lo ´nuevo´ está encabezada y dirigida no tanto por el público –apático por naturaleza- cuanto por una serie de ´jefes de opinión´, jóvenes algunos y otros ya no tan jóvenes que puede decirse canalizan la opinión en ese sentido. Querer estar al día no es en sí grave sino, por el contrario, algo muy meritorio y digno de ser tenido en cuenta. Pero si en el caso de una persona de criterio un juicio exagerado y hasta un error pueden corregirse, los que escuchan o leen –especialmente los jóvenes- pueden equivocarse y confundirse con un ejemplo que consideran decantado y coherente. Esa juventud aspira a hacerse una idea aproximada de los valores: antiguos y modernos, locales y extranjeros, valores que están perpetuamente en juego en una ciudad con inquietud plástica como Buenos Aires. (…) Sigamos un poco la trayectoria de un joven artista que acaba de entrar a la palestra. Tenga o no tenga verdadero talento –no se trata tanto de eso- su primer éxito consistirá en ´ser lanzado´ por uno de esos jefes. Si el artista en cuestión recibe una acogida favorable, puede decirse que se encuentra de la noche a la mañana en una situación que antes le hubiera llevado por lo menos de diez a quince años adquirir. Es decir: puede, de entrada, ganar los premios más importantes, exponer en las mejores galerías, vender a precios muy elevados. Se me dirá, quizá, que todo eso es muy bueno en sí; no tanto, replico yo. (…) El artista si es consciente (y muchas veces lo es) se embarca desde el principio en una línea de conducta que va a querer conservar por el resto de sus días. Pero… lo más probable es que si el artista quiere conservarse fiel a si mismo los jefes decreten, poco después del ilusorio primer éxito, ´que lo que hace Fulano actualmente no vale nada, no tienen ningún interés, etc.´. En una palabra, si eso ocurre, se lo deja automáticamente de invitar a los premios, sale del circuito dorado al que tan poco trabajo le había costado acceder… (…) Si el artista está convencido de su sinceridad persevera en lo que él cree debe ser su línea tratando de ´encontrarse´ cada vez más. Pero muy a menudo le toca comprender que si el triunfo le había llegado demasiado pronto y casi sin lucha, ahora el olvido injusto lo separa cruelmente de la comunidad, lo transforma en un paria y, por ende, en un eterno descontento porque se considera traicionado por los mismos que lo exaltaron. (…) Otro caso… el del artista débil de carácter, que engolosinado con el triunfo del primer momento y no resignándose a pasar de moda, va cambiando a medida que sopla el viento y se somete a una actitud expectante dispuesto a renegar en cualquier momento de lo que antes constituía su verdad más profunda. Porque, no nos engañemos, en el pequeño mundo del arte, de pronto se corre la voz de lo que los jefes quieren o esperan de los artistas en un momento dado. Demás está decir que se han invertido los términos: en vez de ser el artista el único creador (que puede acertar o no, de ahí el maravilloso riesgo que siempre comporta el arte) encontramos ahora al crítico-profeta que en vez de ordenar los valores y clarificarlos, fuerza al artista –a sabiendas o no, eso es lo de menos- a seguir la vía que él le señala. (…) Se llegan a crear así, supremo escándalo, ´obras para el premio´, tratando de descifrar –inútilmente porque se trata de ídolos caprichosos- lo que pasa por aquellas cabezas dictatoriales.” 

 Damián Carlos Bayón Lo “nuevo” y la responsabilidad del crítico Revista Sur Nro. 297 noviembre y diciembre 1965, pág. 52/55.-

     El texto trascripto tiene 49 años de antigüedad y describe una realidad que hoy sigue tildándose de “actual”. ¿Eso qué significa? ¿Una verdad absoluta e inconmovible, un paradigma inmutable de la humanidad? ¿Qué no hemos evolucionado nada en medio siglo de actividad cultural? ¿Qué todos los males del mundo (del arte) se deben a los críticos, a los “jefes de opinión”? Nunca se han erigido monumentos en honor a un crítico, es cierto, pero sin embargo siempre están ahí, opinando, digitando, asumiendo su rol de infalibles Tablas de la Ley; sobreviven a través de las generaciones, como las prehistóricas cucarachas...

  

     "The Silk Road was the continental, overland equivalent of the maritime route. It was not a single thoroughfare but rather a series caravan route beginning at Xi´an, China, in the east, following the Great Wall to the northwest, and circumventing the Taklamakan Desert in present-day western China. It then crossed the Pamir Mountains to Sogdiana and Bactria, the central Asian provinces conquered in the fourth century B.C. by Alexander the Great, the first European traveler in Asia. This area was later subjugated by Genghis Khan, traversed by Marco Polo, and overrun by Tamerlane. Continuing across the Persian plateau, the route ended at the eastern Mediterranean coast. Caravans consisted of one hundred to one thousand camels each carrying five hundred pounds of freight, which made them attractive targets for bandits. Security considerations, including the careful selection of campsites and armed guards, added to the logistical planning. The final leg was by ship, initially to Alexandria and later to Venice. Natural stopping places along the primarily desert Silk Road were oases, where autonomous city-states gradually grew. Usually controlled by a military ruler, many became legendary marketplaces: Kashgar, Tashkent, Samarkand, Bukhara, Rhagae (Tehran), Damascus, and Palmyra. Among alternative routes was a trail south across the Karakorum Mountains, through the Hunza and Gilgit tributaries to the “Father of Rivers”, the Indus. It then passed Taxila, the ancient Buddhist center, and descended to the Arabian Sea, where at the Indus delta it joined the maritime route. For European traders the luster of silk was not its only appeal. Unlike cotton and wool, silk did not provide a haven for body lice, a troublesome pest of medieval and Renaissance times. Apart from silk, coming west from China were furs, jade, bronzes, lacquer, ceramics, gunpowder, and iron. Europe sent wood, gold, silver, precious stones, ivory, and glass to balance the trade. "

 

(La Ruta de la Seda era el equivalente continental terrestre de la ruta marítima. No había una sola vía, sino una serie de rutas de caravanas que comenzaban en Xi'an, China, en el este, detrás de la Gran Muralla en el noroeste, y circunvalaba el desierto de Taklamakan, en la actual China occidental. Luego cruzaban las montañas de Pamir a Sogdiana y Bactria, las provincias de Asia central conquistadas en el siglo IV AC por Alejandro Magno, el primer viajero europeo en Asia. Esta zona fue luego sometida por Genghis Khan, atravesada por Marco Polo, e invadida por Tamerlán . Continuando por la meseta persa, la ruta finalizaba en la costa oriental del Mediterráneo. Caravanas consistentes en hasta cien mil camellos llevando cada uno 500 libras de carga, eran blancos atractivos para los bandidos. La seguridad requería especial consideración, con la cuidadosa selección de los lugares de campamento y la guardia armada, más una escrupulosa planificación logística. El tramo final se hacía por mar, en un principio hacia Alejandría y más tarde a Venecia. Lugares de parada naturales a lo largo de la Ruta de la Seda en el área desértica eran principalmente los oasis, donde las ciudades-estado autónomas crecieron gradualmente. Por lo general controlado por un dictador militar, muchos se convirtieron en mercados legendarios: Kashgar, Tashkent, Samarcanda, Bujara, Rhagae (Teherán), Damasco y Palmira. Entre las rutas alternativas estaba un sendero sur que atravesaba las montañas del Karakorum, a través de los afluentes de Hunza y Gilgit hacia el "padre de los ríos", el Indo. Pasando por Taxila, el antiguo centro budista, descendía hasta el mar Arábigo, donde en el delta del Indo se incorporaba a la ruta marítima. Para los operadores europeos el lustre de seda no era su único interés. A diferencia del algodón y la lana, la seda no proporcionó un refugio para los piojos del cuerpo, una plaga problemática de la época medieval y renacentista. Además de la seda, que viene del oeste de China había pieles, jade, bronces, lacas, cerámicas, pólvora y hierro. Europa envió madera, oro, plata, piedras preciosas, marfil y cristal, para equilibrar el comercio.) 

  Kenneth Nebenzahl Mapping the Silk Road and Beyond, Phaidon Press Inc. New York 2004, Pág. 7 y 8.

 

    Mañana (u hoy, no tengo muy en claro que horario tiene determinado el blog y cual mi computadora) se inaugura en Córdoba, España, la muestra colectiva “Arte para 4” donde estará mi versión personal de The Silk Road. Será la primera vez que una serie de siete de mis obras se exhibirán juntas fuera de la Argentina. Sin ser una “individual”, la integridad de la serie puede acercar al circunstancial espectador una idea más acabada de lo que hago y de lo que pretendo transmitir. Lamentablemente, no estaré allí para evaluar la reacción, pero tengo fe que de algún modo algo pueda llegar hasta mí vía el inefable milagro de la internet. No puedo evitar la ansiedad pero tampoco la euforia. Pese a estar en este “fin del mundo” y de las trabas y despropósitos que hacen hoy de Buenos Aires un laberinto kafkiano, las cosas pueden hacerse cuando prima la pasión y la convicción. Y el sólo hecho de que mañana mis chicas se cuelguen en una distante pared andaluza es, definitivamente, una ROTUNDA VICTORIA.

     Entre el revoltijo de libros que en este momento pueblan mi mesa de luz, de una biografía de Victoria Ocampo, extraigo: 

  “Citando las palabras de Baudelaire, con frecuencia se refiere a “le vert paradis des amours enfantines, l´innocent paradis, plein de plaisirs furtifs” (el verde paraíso de los amores infantiles, paraíso inocente lleno de placeres furtivos) con la nostalgia de quien atesora la infancia como un tiempo de pureza visionaria, cuando no había barreras para la percepción intuitiva de la realidad. Los niños pueden ver mundos llenos de significado en lo más trivial, y reaccionan a los estímulos exteriores sin nada que lo obstaculice. Esta es la cualidad, dice Victoria, que caracteriza lo que en los adultos se llama genio creador: “Los sabios, los poetas, los pintores, en una palabra, los artistas y pensadores… no poseen genio sino en la medida en que son hombres mal curados de su infancia y de sus amores. Hombres para quienes las ´nadas´ contienen siempre alusiones fabulosas o se transforman en varitas adivinatorias de que ellos son absortos rabdomantas” (Lecturas de infancia, III, pág.13). Y la inocencia infantil, más que una simple indulgencia de deleites físicos, hace posible la experiencia de una espiritualidad instintiva, una comprensión casi mística de nuestro origen y destino divinos…” 

Doris Meyer, Victoria Ocampo – Contra viento y marea Editorial Sudamericana, Buenos Aires 1981 pág. 44.

                        

     La expresión de estar “mal curada” de la infancia y de los amores me pareció tan exacta para definir la mayoría de mis “aficiones” (que alguien podría llamar “excentricidades”) que me quedé pegada largo en ese párrafo. Una elegante versión de mi “jugar a jugar”, una alegoría poética a la excusa del “espíritu lúdico” que habitualmente utilizo cuando intento explicar lo que racional y mercantilmente resulta inexplicable a la mayoría de mi entorno. 

      Como artista, estructuralmente la totalidad de mis actos están vinculados al juego y al placer. Pecando de realismo y sinceridad reconozco que nadie elige dedicarse al arte por un fin económico o por un fin social o altruista. Uno es artista por exclusivo hedonismo. El arte –el juego creativo- es placer puro, aun en el marco del “artista torturado”: al crear se exorciza y se libera y eso implica, quizá, el único goce que se permite. Ese egoísmo de priorizar el disfrute personal es claramente un resabio de la infancia, de esos tiempos que todo estaba permitido porque no concebíamos límites ni mortalidad; donde el juego era el único fin de cada día y podíamos creer –y crear- el universo girando en torno nuestro.

     Es un privilegio estar “mal curada” de la infancia. El no haber sido –pese al tiempo transcurrido- desterrada del todo de uno de nuestros paraísos perdidos. De seguir creyendo que todo es posible y que queda ahí nomás, todavía al alcance de la mano.

     Acabo de recibir por mail la tarjeta de la muestra “Arte para 4”, de la que formarán parte mis chicas de la Silk Road. Aunque no podré estar en persona (un océano y pequeñas minucias económicas me lo impiden), sirva la presente como cordial invitación a cualquiera que lea esto, que se halle en territorio andaluz próximo al evento, y tenga ganas de ver en persona mi trabajo.

     De la página de Facebook lagaleriademagdalena, publicado el 23 de febrero 2014:

  ARCOTANGENTE II La feria de arte Creative Commons que en paralelo a Arco ha permitido la participación abierta a todo aquel que ha querido compartir su obra. Al final 180 artistas y más de 500 obras de arte que hemos trasladado al plano físico en formato postal, en la Escuela de Arquitectura el 20 de febrero y en la calle Príncipe 14 el 23 de febrero. En su envés se encontraba el link a la plataforma lagaleriadearcotangente.tumblr.com, donde se pueden ver todas las obras de este año y el año pasado. ¡Qué las disfrutéis!

 

     Con auténtico espíritu gatafloril, me complico la vida para no poder hacer lo que quiero hacer porque –supongo- quiero hacer algo distinto. ¿Suena incomprensible? Será porque ES incomprensible. Llevo años tratando de perfeccionar mi técnica, de pintar piel que recuerde a piel, que suene a piel, que huela a piel, que sepa a piel. Que se sienta como piel al tacto de la mirada. Pero como si esa búsqueda no fuese suficiente, tengo que ponerle novedosos obstáculos. Lejos de trabajar sobre soportes normales (papel, tela, tabla) tuve que alistar un soporte de pegotes de papeles con texturas y traicioneramente absorbentes (papel de cocina y servilletas de papel). ¿Por qué? ¡Quién sabe! Esas cosas que se me ocurren y hago y después son una realidad y ya no hay con qué darle. Y sobre este soporte desparejo, no del todo tenso, con irregularidades y baches, pretendo trabajar mi tercer Santa Inquisición, la americana. ¿Cómo lograr piel, aunque sea masculina, sobre tan ingrata base? El pincel no corre, la pintura no cubre según mi intensión, los bordes no se definen y el kerosene (oh, sí, pintamos sobre papel absorvente con kerosene…) se escurre y gotea y enchastra y me desquicia. Insisto: ¿por qué?

     Mi voz rubia, la amable y leal, me susurra que yo sé por qué lo hago. Que hay una buena razón. Estoy peleando con uno de mis más feroces fantasmas personales: el de la rigidez de mi pintura. Por debilidad a mi rubia o porque sencillamente tiene razón, acabo reconociendo que algo de eso hay aunque no lo tenga muy a nivel consciente. Sólo soy una buena dibujante y pese a mi empecinamiento por pintar, nunca he dejado de ser básicamente una dibujante que pinta. Y pinto como dibujo: con demasiado control, con demasiadas líneas, demasiado obsesivamente. Me lo han dicho muchas veces, pero es más que eso: yo lo sé. A mi pintura le falta gracia y dejadez. "Plasticidad". La trampa de dificultarme el soporte (cartones rugosos, papel artesanal, papeles superpuestos como una carta-pesta tosca y chapucera) es sólo para que no me sea fácil “dibujar” con el pincel, que tenga que resignarme a la falta de precisión. Un autoboicot a mi exactitud, a mi dominio de la línea.

     De acuerdo: me complico en el afán de dominar mis limitaciones y obligarme a superarlas. Pero como gata flora asumida nada me viene bien: tanta complicación que me autoinfrinjo me enoja y me frustra y por momentos quiero mandar todo al diablo y volver a la comodidad de mis límites. ¿Por qué hay que avanzar? ¿Por qué hay que pretender más? ¿Por qué no puedo quedarme donde estoy haciendo lo que sé hacer y que me da alguna que otra satisfacción? Porque no, ya sé. Porque no. La tibia calidez de estufa que nos tiene que hacer cruzar los índices al clamor del ¡vade retro! . 

     Pero a veces, como hoy, cuando no logro avanzar en el trabajo, cuando la imagen me decepciona y el físico no me da para la insistencia prolongada frene al caballete, me pregunto porque no puedo permitirme el rendirme. Aunque más no sea por un rato. Aunque no sea en serio.

Sobre los artistas y el arte o de cómo sólo se trata de llamar la atención.

“Empecemos por aclarar que Platón desconfía de los artistas y nos previene contra ellos porque está convencido de su fuerza, es decir de su capacidad de seducción. Si el arte no fuese más que una trivial pérdida de tiempo, Platón no le hubiese dedicado probablemente la menor atención crítica. (…) La ética lleva las de perder en materia de diversión frente a la estética. ¿Por qué? Pues porque sabemos de antemano cómo deben ser las personas decentes –su actuación se rige por principios, es decir por normas que conocemos aun antes de conocerles a ellos-, en tanto que los malos resultan variados en su transgresión y sorprendentes. Sólo hay unas cuantas maneras de portarse bien, mientras que las de portarse mal son innumerables; de aquí proviene que la ética –la cual no hace más que recordar una y otra vez lo fundamental- sea estéticamente “aburrida”, mientras que la estética –que pretende ante todo la novedad y lo insólito- sea moralmente sospechosa. Tal como resume Murdoch, ´el artista no puede representar ni encomiar lo bueno, sólo lo demoníaco, lo fantástico y lo extremo; mientras que la verdad es tranquila, sobria y limitada, el arte es sofistería, en el mejor de los casos una mímesis (imitación) irónica cuya falsa veracidad es un astuto enemigo de la virtud.´ (…) El juego del arte nos convierte en dueños de un mundo propio y así nos hace manifiesto un destino social pero también personal más allá de las coacciones naturales o legales, en el que tendremos que decidir sin culpas ni disculpas lo que queremos llegar a ser. (…) ¿En qué sentido decimos que un artista es “creador”? …Un poco ´divinos´ sí que son, porque su obra no se explica sin ellos –sin su vocación y personalidad-, o sea que si cada uno de ellos no hubiera existido lo que han hecho nunca hubiese llegado a ser. Me explico: si Colón no hubiese llegado en 1492 al continente americano, antes o después otro hubiera hecho este viaje desde Europa tal como los vikingos los realizaron en épocas más remotas… En cambio, si Mozart o Cervantes hubieran muerto en la cuna nadie habría compuesto La flauta mágica ni contado la historia de Don Quijote. No nos habrían faltado música o novelas, pero no esa música o esa novela. Podemos imaginar el teléfono sin Graham Bell o la teoría de la relatividad sin Einstein, pero no Las Meninas sin Velázquez. (…) El artista no es el primero en descubrir o lograr algo, sino el único que podía ´crearlo´ a su insustituible modo y manera… (…) La atracción del arte no nos llega siempre como una suave caricia sino a menudo como un zarpazo. Alain, un pensador contemporáneo que escribió mucho sobre el proceso artístico, señala que ´lo bello no gusta ni disgusta sino que nos detiene´. El primordial efecto estético es fijar la atención distraída que resbala sobre la superficie de las cosas, las formas, los sentimientos o los sonidos sin prestarles más que una consideración rutinaria. Según este criterio, es realmente hermoso todo aquello en lo que no hay más remedio que fijarse. Más que buscar nuestra complacencia o nuestro acuerdo, el arte reclama nuestra atención.” 

Fernando Savater, Las preguntas de la vida Editorial Ariel S.A. Barcelona 2008 Pág. 239/249.

“Mientras algunos artistas del siglo XIX entienden el ideal del arte por el arte como culto exclusivo, paciente, artesanal, a una obra a la que dedicar la propia vida para plasmar la belleza en un objeto, el dandi (e incluso artistas que pretenden ser a la vez dandis) entiende este ideal como culto a la propia vida pública, que hay que ´trabajar´, modelar como una obra de arte para convertirla en un ejemplo triunfante de belleza. No es que la vida esté dedicada al arte, es el arte el que se aplica a la vida. La vida como arte.” 

 Umberto Eco, Historia de la belleza Lumen S.A. Milan 2006, pág. 334.

“El dandi no aspira al dinero como a algo esencial; tendría bastante con un crédito infinito; de buen grado deja esta trivial pasión a los hombres vulgares. (…) Es, antes que nada, la necesidad ardiente de crearse una originalidad, contenida en los límites externos de las conveniencias. Una especie de culto a sí mismo, que puede sobrevivir a la búsqueda de la felicidad que se encuentra en los demás, en la mujer por ejemplo: que puede sobrevivir incluso a todo lo que se llama ilusión. Es el placer de sorprender y la satisfacción de no sorprenderse nunca.” 

 Charles Baudelaire, El pintor de la vida moderna, 1869.

     La fuente original sería ‘www.elconfidencial.com’; yo extraigo el texto de mi blog de cabecera www.loverartnotpeople.me de la entrada “LA ROSARINA ‘TOPACIO FRESH’ FUE UN PAPELON EN LA ENTREGA DE LOS PREMIOS AL ARTE EN EL REINA SOFIA”. Cito textual: 

“Las previsiones más agoreras vaticinaban tormenta y aquello acabó en ciclogénesis explosiva. Pocas veces el fracaso suma tantos reconocimientos a la salida de un evento, como ocurrió anoche en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde se entregaron los Reconocimientos al Arte Contemporáneo (RAC), organizados por la asociación IAC, que preside Miguel Cereceda, el hombre que tuvo el sueño de emular a Los Goya del cine y terminó convirtiéndose en el principal responsable del mayor bochorno jamás vinculado a la imagen del arte contemporáneo español. Cereceda quiso hacer doblar las campanas en nombre de la visibilidad, quería romper con la barrera de los suplementos culturales –como aseguró en declaraciones a este periódico-, quería entrar en las casas de los telespectadores y enseñar el maravilloso mundo del arte contemporáneo. Afortunadamente, no hubo emisión en directo, porque las campanas terminaron llamando a funeral. (…) El discurso del arte ya había sido desplazado por un guion deplorable (autoría de Álvaro Forqué), que no tardó en soltar el primer chiste de la noche: “Si Botticelli viviese trabajaría para el Vogue”, en boca de Topacio Fresh, presentadora y galerista vedette. “Para que un artista sea realmente grande debe morir”, remató su compañero en el escenario, un presentador de Telemadrid. A partir de ese momento, la vergüenza ajena fue creciendo durante las dos horas y media que el público tuvo que soportar. (…) …Topacio Fresh y su compañero seguían con su festival de humor retrógrado contra la dignidad del arte: “El arte es morirte de frío”, dice él mientras lee el guion en su cartulina. Acto seguido, reconoce que no le gusta tanto el arte contemporáneo como las inmaculadas de Murillo. Lo dice la misma persona que despedirá la gala a grito de: “¡El arte contemporáneo es para todos!”. Menos para los que prefieran las inmaculadas de Murillo, se entiende. (…)” TEXTO DE ‘ELCONFIDENCIAL.COM’

     Desde Buenos Aires uno puede amagar a reírse, pero sólo de nervios, ya que la realidad no es tan distinta. La pregunta es ¿hay necesidad? Pero debe ser una cuestión de época, ya que la soberana estupidez emerge esplendorosa por muchos frentes al mismo tiempo. Hoy a través de la web o de los pocos canales de TV que por estos lados aun tratan de ser independientes uno ve tanta muerte y tanta sinrazón que no queda más que concluir que la estupidez va ganando a la sensatez por varios cuerpos. Realmente, son días muy tristes para este lado del Atlántico...

“Aún cuando no he nacido en Venezuela, siento respeto, afecto y agradecimiento hacia esa Nación y su gente. Por eso considero oportuno esbozar una opinión acerca de la situación que actualmente atraviesa el hermano país. Entiendo perfectamente que la posición por mí expresada no ha de satisfacer a algunos, pero eso no es de extrañar. Es precisamente la intransigencia, lo que define a los grupos en pugna, gobierno y oposición. Estas dos facciones políticas han tenido, cada una en su momento, la oportunidad de servir realmente al país, pero han fallado, tal vez porque cada una ha preferido servir a sus propias agendas… Ambos argumentos poseen un pedazo de la verdad, pero ambos se rehusan a unirlos para crear el terreno común que permita concertar una propuesta para todos los venezolanos. El país está tristemente polarizado y por eso hoy Venezuela duele. (…) A estas alturas, me resulta verdaderamente incomprensible cómo ha ocurrido que un país con tanto recurso natural y humano, con tanta calidad, nobleza y talento, se encuentre hoy sumido en una situación tan precaria, sin lograr comprender que cuando se cae en un hoyo, lo primero que se tiene que hacer para intentar salir, es dejar de cavar. (…) Ojalá que logren sentar las bases para la discusión del país que puede ser, y no el que hoy pretenden forzar dos bandos en conflicto de intereses. Que no les obliguen a escoger entre alternativas como el cáncer o el ataque al corazón. (…) …es necesario que los manifestantes no desaten la violencia. Deben argumentar en forma pacífica; el que tiene la razón no necesita gritar, o pegarle al otro para validar lo que dice. Algunos pensarán que me inmiscuyo en asuntos que como panameño no me incumben. Me permito hacerlo por el afecto y apoyo que los venezolanos me han entregado durante más de 40 años, haciendo suyas la música y letra de mis canciones. Por esa entrega, los venezolanos están condenados a mi cariño y a mi respeto. Viva Venezuela!" 

Ruben Blades 18 de Febrero, 2014” www.rubenblades.com

     Si tuviera que explicar cómo llegué a conectar con esta propuesta describiría una cadena de acontecimientos tan extravagante e imposible que se creería pura invención. Y si bien estoy realizando diversas actividades en territorio español (el proyecto OnlyEroticArt con base en Sevilla, donde también ocurre la convocatoria Sublima Eros, mi exhibición del Silk Road a partir del 27 de este mes en la Sala Aires, Córdoba, Andalucía), este evento original y provocador en las calles de Madrid me llegó a través de un viejo amigo residente en México DF, con quién discutía "acaloradamente" -vía mail- sobre la “popularidad” y el "snobismo" en el arte. Pareciera que mientras “mi Buenos Aires querido” me maltrata y me cierra puertas, en otros lados mi trabajo resulta un poquito interesante y digno de ser mostrado. (Pero estoy siendo injusta; si Satán no mete la cola en abril vuelvo a exponer –al menos un par de obras- en el Recoleta).

    Así que La Santa Inquisición, La Santa Inquisición II – La Cruzada Albigense, Lilith, Los Ángeles de la Hispania y de la Tartaria y Prisionera del Catesismo están reproducidas en la galería virtual www.lagaleriadearcoemergente.tumblr.com y serán parte del evento en las calles de Madrid creado y concretado por La Galería de la Magdalena, en paralelo con la celebración de la Feria de Arte Contemporáneo ARCO MADRID 2014.

     Copio y pego parte de la página de la galería organizadora con su manifiesto y vocación (www.lagaleriademagdalena.com):

lagaleriademagdalena #regalosurbanos e #InteracciónEnObras / #urban gifts and #interactionunderconstruction La calle es en sí misma una oportunidad de creatividad, de reunión, de intercambio, o al menos así lo vemos nosotras. lagaleriademagdalena es al mismo tiempo una plataforma que sirve para realizar exposiciones en la calle donde todo lo que se expone se regala: #RegalosUrbanos, y una comunidad de gente del entorno físico y virtual que nos reunimos alrededor de la cultura y la participación.

Queremos invitaros a participar en la segunda convocatoria de Arcotangente, cuya exposición en internet es en http://lagaleriadearcotangente.tumblr.com/ y en el espacio público tendrá lugar el 23 de febrero a las 12:30 en la valla de obra de la calle Príncipe 14 y esta vez también el 20 a las 12:00 en la Escuela Técnica Superior de arquitectura de Madrid (ETSAM), donde se expondrán/regalarán todas las obras en formato postal, con un link en su envés que llevará a poder ‘descargar’ la obras en alta calidad. Nos encantaría que participaseis, y para ello podéis compartir vuestras obras hasta el día 19 de febrero a las 20:00 horas. Esta convocatoria tiene lugar en paralelo a la Feria Internacional Arco, pero frente a su exclusividad para participar como artista o asistir como público, nosotras queremos hacer un evento accesible a todo el mundo. Así, la condición para formar parte de ARCOTANGENTE es compartir las obras en alta calidad, de forma que el público pueda disfrutarlas y descargarlas perfectamente cuando las visite, es decir, tengan una licencia copyleft. Para poder compartir obras en alta calidad hacemos uso de plataformas existentes de almacenaje como son FLIKR (para imágenes, fotografías, dibujos…), Bandcamp, Soundcloud (para música), Vimeo (para vídeos)… etc todos los formatos son bien recibidos; si es una escultura o una maquinaria o similar, lo suyo es compartir el ‘cómo se hace’ para que cualquier persona pueda llegar a construirlo si quiere!

     El evento ha tenido eco en los medios, por lo que pude ver en mi paseo web (¡ojalá pudiera estar allá y curiosear en persona!, pero la vida real es la vida real y bendita sea internet que permite que mi obra no dependa de mi limitación de recursos y movilidad para abrirse camino por el mundo).

JUEVES 20 ARTE / EXPOSICIONES / FESTIVALES / VARIOS #Arcotangente Es el nuevo proyecto de lagaleriademagdalena, plataforma que convierte los espacios públicos, vallas de obra o solares, en galerías de arte público donde todo lo que se expone se regala. #Arcotangente es una exposición participativa, de contenido es copyleft, con plataforma en internet http://lagaleriadearcotangente.tumblr.com/ donde está la exposición virtual y exposición física el 23 de febrero a las 12:30 en la valla de obra de la calle Príncipe 14 y hoy día 20 a las 12:00 en la Escuela Técnica Superior de arquitectura de Madrid (ETSAM). En la exposición física se mostrarán y todas las obras en formato postal, con un link en su envés que llevará a poder 'descargar' la obras en alta calidad. Además todas las postales se regalarán a los viandantes, los #RegalosUrbanos

Del 24 al 27 de abril de 2014, se realizará Mirá, Festival de Arte, en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930), con entrada libre y gratuita. Se trata de una feria que busca el contacto directo entre el artista y el público. Un acercamiento para promover nuevos coleccionistas que llegan al mercado del arte sin prejuicios y con la mente abierta. Mirá, Festival de Arte, abrirá el año calendario de 2014. Participan artistas que ya han estado en otras ferias solos o con galerías; muchos otros que han realizado muestras individuales y colectivas y art dealers que representan a creadores de distintas disciplinas. Con una presentación sumamente cuidada, sin paneles ni stands que se interpongan con las obras, este festival tendrá una presentación acorde con el prestigio del Centro Cultural Recoleta que dirige Claudio Massetti. Mirá, Festival de Arte, está organizado y desarrollado por tres medios especializados que desde hace muchos años vienen dedicándose a difundir el arte de la ciudad del país y del mundo, lo cual garantiza la calidad de la feria. Julio Sapollnik -también curador- y Patricia Altmark, del programa televisivo Cultural al Día; Susana Araujo, directora de la revista QUÉ HACEMOS y el sitio www.quehacemosonline.com.ar y Graciela Smith, directora de la revista digital Magenta son los responsables de Mirá, Festival de Arte. Más informacion: www.mirafestival.com.ar Del 24 al 27 de abril de 2014, de 14 a 20, con entrada libre y gratuita. Centro Cultural Recoleta (Junín 1930). 

  quehacemosonline.com.ar/mira-festival-de-arte

     Con mi característico gataflorismo, ahora que he conseguido que me incluyan en una muestra que está recibiendo cierta atención de los medios locales, yo tengo la cabeza en otra cosa. Ayer reanudé (con ánimo de concretar y finalizar) mi Tótem de papel, mascarón de proa de Ragnarök. Habiendo conseguido una caja sólida para darte sostén al cuerpo de mi Buey Apis me arrebaté en incluirle una cabeza de ave que sale de su abdomen y dos colas de sirena a su base para garantizar el sostén de todo el grupo. Tiene MI lógica: las sirenas eran pájaros antes de ser las agraciadas señoritas de cola de pez. Y si bien en esta etapa incipiente parece una especie de Big Bird venido a menos, estoy absolutamente concentrada en ese trabajo y poca atención le presto a la feria Mirá a la que, en otro contexto, seguramente hubiera contemplado con entusiasmos varios y sincera añoranza. Soy un caso perdido.

     Compromisos ineludibles y domésticos me alejaron durante 48 horas de mi centro geográfico (el Obelisco, el real rapa-nui), yendo a parar a 600 kilómetros de mi universo en playas de un mar frío y bravo que me genera muy poca simpatía. Me disculpo explicando que por herencia genética mi sangre india rememora las calideces de Guanahaní y el Atlántico sur será imponente pero ciertamente helado. 

     Afortunadamente, aledaño a las playas, el pequeño pueblito turístico contenía un enorme local de venta de libros y revistas viejas donde mitigar mi angustia por la distante civilización. El revoltijo conservaba muchas ediciones viejas de los años sesenta y setenta, bien conservadas, que delataban el acopio de alguna interesante biblioteca de alguien que prefería los autores españoles por sobre la bestsellería americana. Mucho libro de programa escolar, por lo que probablemente su original dueño fue maestro o profesor de escuela secundaria. Podría haberme pasado semanas hurgando en los anaqueles, pero mis obligaciones “sociales” me impedían tal disfrute. Así que, con la práctica que dan los años de hábil cazadora bibliófila, concentré mi atención en buscar La Presa de las presas. Qué no encontré. Pero sin mucho que hacer en mi forzado retiro de sociabilidad me dediqué a analizar el origen y fin de mi pulsión incontrolable a revolver librerías.

     Entre muchas otras cosas –tal vez más ingratas aun- mi infancia pasó rodeada de albañiles y obreros varios. A mis seis años nos mudamos a una casa que fue construyéndose –mal y de a parches- con nosotros dentro. La convivencia con distintos trabajadores de la construcción se extendió perversamente, como suele ocurrir normalmente, casi por diez años. Creo haber rondado los once o doce años de edad cuando uno de los tantos albañiles que se fue para no volver olvidó, en el galpón donde se cambiaban, guardaban sus cosas y solían almorzar, un pequeño librito sin tapa y al que le faltaban las primeras y las últimas hojas. De esos libros que se encuadernan cocidos, por librillos de unas veinte hojas cada una, por lo que el librillo inicial y el final habían desaparecido junto con las tapas. Yo lo encontré y lo leí con avidez. Eran cuatro cuentos policiales escritos desde la visión del asesino, quien tras un rápido planteo de las razones psicológicas que lo obligaban a ello cometía el crimen y luego sufría la investigación que irreversiblemente lo descubría y condenaba. Eran deliciosos, aunque del primero perdí el inicio y del último el final. Y, obviamente, en ningún lado figuraba ni el autor ni el título de la obra. Jugando a obvia psicoanalista, resulta claro ver en este librito diezmado mi afición por los policiales. Lo he buscado desde entonces entre la literatura del género, convencida que en algún momento me lo reencontraría completo. Lo debo haber leído una docena de veces antes de que desapareciera, probablemente entre diarios viejos que alguien tiró sin reparar que ese mutilado montoncito de papel era, pese a todo, un libro y mi favorito.

     Con los años googlié los datos que recordaba: en el primer cuento había una Nausicaá que era la secretaria de un detective sin memoria (a lo Monk de Anne Perry, pero más poéticamente border) y el asesino Yehuda Harnett (creo que así se escribía), cultor del “yoprimerismo”. Pero nunca logré recabar más datos. Hoy sigo buscándolo.

      Cuando en las librerías de viejo de calle Corrientes voy a los cajones del fondo, donde acumulan el material viejo y maltratado, me detengo en los señalados “policiales” y revuelvo con cuidado, recordando el tamaño de mi presa, sabiéndolo de papel amarillento, un autor desconocido en mis lecturas y la seguridad de que con leer un par de frases voy a reconocerlo de inmediato. El olvido de ese albañil lector provocó el nacimiento de mi biblioteca de policiales. Y fue la causa del grandioso disfrute que he tenido desde entonces tanto con la lectura como con la búsqueda de mi Santo Grial. 

      Sé que algún día voy a reencontrarme con ese librito, pero realmente no tengo apuro. Buscarlo es una placentera misión que me justifica esas horas de olor a papel viejo y mucho polvo que suelo disfrutar, entre anaqueles atiborrado de libros o cajones con acopio desordenado, y que ha provocado el descubrimiento de muchos otros autores y textos maravillosos. Debo a un completo extraño y a un libro roto gran parte de la persona que soy hoy.

     Finalmente, y casi por jugar, hice un dibujo en tinta china y acuarela para enviar a la convocatoria Sublima Eros (http://sublimaeros.jimdo.com/ y https://www.facebook.com/sublimaeros).

     Fue en realidad un cúmulo de circunstancias que se alinearon caprichosamente: había comprado un block de boceto de papel francés para acuarela a muy buen precio en medio de la disparada de la devaluación (el viejo truco de saber uno que está comprando y el vendedor ignorar lo que está vendiendo), block que tenía la medida exacta de la convocatoria. 

    Había estado tonteando con unas fotografías de la ciudad belga de Brujas por pura asociación de ideas: había ido al estreno en Baires del film Saving Mr. Banks y había quedado encantada con ella pese a llorar desconsoladamente con la muerte de Colin Farrel, a quién, precisamente, adoré en esa preciosidad de película que es In Bruges. Y al mismo tiempo había estado separando material para trabajar en Ragnarök con la Witch Hunt, ahora que había dado con un ensayo histórico muy documentado. Entonces fue una imagen de Brujas, un modelo femenino de espaldas con su delantalcito de cocinar, un mapa medieval de la distribución de las aguas y las tierras; una tormenta de lluvia desaforada que no me dejó salir de casa y dos cortes de luz consecutivos que me mantuvieron en la cocina, único lugar con luz natural donde podía trabajar en un soporte pequeño sobre la caja plana del té. Así suelen pasar las cosas: se encadenan ideas y sucesos fortuitos y el resultado acaba siendo algo que uno no tenía ni remotamente pensado hacer. 

     Anoche (unos quince minutos antes de que se cortara la luz otra vez) envié la pequeña Bruja Doméstica a los organizadores de la convocatoria Sublima Eros. Ahora, llego a la oficina para corroborar que el mail llegó y, ¡sorpresa y coincidencia! tampoco hay luz en la oficina. Ahogándome de calor y humedad sin los acondicionadores de aire y con el vestigio de batería de la notebook, me siento a escribir esto confiando al destino y al veleidoso suministro eléctrico de este país gobernado por una “abogada exitosa” el momento que habré de subirlo a mi blog.

     Diré que me pareció interesante la idea base de la convocatoria de Sublima Eros, en cuanto argumenta en sus bases: “Buscamos artistas plásticas que quieran expresar su visión del sexo a través del arte, que nos enseñen que una diversidad es posible a través de una visión nueva o al menos en un intento de ser libre de los estándares que han representado el sexo y erotismo … Tras muchos años las mujeres se han nutrido de imágenes creadas por los hombres, hasta tal punto que han sustituido en muchos casos su visión del sexo, de manera que cuando piensan en imágenes eróticas se ven representadas en las imágenes estereotipadas masculinas. La intención de esta convocatoria es crear un imaginario erótico femenino. (…)… buscando expresar… una sexualidad sin tabú, sin vendajes o juicios morales sobre nuestro género. (…)… poniendo en evidencia la necesidad de romper con el discurso actual y convertir a la mujer del papel de objeto pasivo al que había sido relegada en un sujeto activo, creador.” 

     Por lo general, ante los planteos que hablan de “liberación” de la mujer de estándares sociales y culturales arcaicos, suelo bufar fastidiada y amagar a considerarlo un cliché pasadísimo de moda. Pero esa pose “superada” me dura dos segundos y pronto empiezan mis voces a enumerarme la tonelada de casos concretos (con nombre y apellidos y rostros conocidos que corresponden a cada uno) de discriminación, limitación y menosprecio con los que lidio diariamente en mi vida “civil”. 

      Porque si bien es cierto que en lo personal nunca he sido “marginada” de nada por el hecho de ser “mujer”, trabajo día a día con otras mujeres que sí son puestas en categoría inferior o lisamente maltratadas por su mera condición de pertenecer a la (inferior) casta femenina.

     Y llevado al plano del “arte erótico”, me cuesta pensar que mi imaginario esté condicionado por una tradicional visión masculina, ya que he notado -a lo largo de los años- que mis desnudos femeninos suelen incomodar más que gustar a los hombres. Algo respecto a la fuerza o arrogancia de mis diseños, a la provocación abierta, a la falta de pudor (de las obras o mío, vaya uno a saber).

(Marginalia: No comento lo que están incomodando actualmente mis primeros desnudos masculinos, porque ya he pescado a un par de caballeros que ni siquiera los pueden miran de lleno.) 

   Una mujer haciendo desnudos (y colgándolos en las paredes de su casa, exhibiéndolos y paseándolos por el mundo lo más contenta) hace que a una la consideren un “poco” extraña y por las dudas mantengan distancia –lo que a mí me favorece dada mi nula vocación de sociabilizar-; pero creo que mucha de esa distancia viene de que mis desnudos no se corresponden del todo con el imaginario machista conservador. Porque si no resulta inentendible la manifiesta “incomodidad”. 

     Suelo hacer bromas de que entrar en mi taller es como entrar a un burdel o de que todo bien, pero cuando me visiten no traigan a sus niños porque no quiero ser responsable por sus futuras parafilias. Entre la temática mis cuadros y mi dudoso sentido del humor mantengo al mundo bastante apartado.

     Pero supongo que la convocatoria de Sublima Eros me atrajo por esa posibilidad de detenerme a pensar más sobre la cuestión y analizarla en el contexto del arte de otras mujeres. Verificar si realmente hay imaginarios distintos o si –como creo- al fin y al cabo hombres y mujeres somos definitivamente iguales y nos seducen y erotizan las mismas cosas. Sólo que ellos tuvieron permiso para manifestarlo abiertamente antes y nosotras tomamos la Bastilla de la plenitud sexual un poquito después.